Тектоник

История тектоника начинается с Парижа, в 2000 году в парижском метро собирались группировки молодых людей, имевших цель: отличаться от других. С течением времени тектоник набирал популярность. 15-го сентября 2007-го года танец впервые вышел на широкую публику, он дебютировал в фестивале Paris Techno Parade. Тектоник получил массу поклонников благодаря распространению в интеренете через сервисы обмена видео, таких как www.youtube.com или www.dailymotion.com. Что же из себя представляет тектоник? Говоря кратко тектоник можно определить как танец сочетающий в себе различные элементы из локкинга,поппинга, хип-хопа и техно.

Бельгийские корни. Приблизительно 10 лет назад на бельгийских вечеринках часто играла музыка стиля , Hardtrance или Euro Dance. Самым популярным танцевальным стилем того времени был Jumpstyle, смысловая идея этого танца заключалась в том, чтобы в такт басам прыгать двигая одной ногой, а потом другой взад-вперёд. Современные вечеринки Tecktonik похожи на эти бельгийские вечеринки.
Благодаря Tecktonik Events, танцевальная команда “Метрополиса” во время двух вечеринок успевала представлять бельгийский techno, hardstyle, Trance, и Jumpstyle, которые тогда ещё не были известны парижским клабберам.

Одна из вечеринок была названа “Black out” по началу её резидентом был Mc Adrian из Radio Fg. Стиль музыки был electro и trance, он был менее жёстким и более коммерческим. В течение 5 лет другая вечеринка называвшаяся: Tecktonik Killer предлагала бельгийский techno, hardstyle и warm up electro. В то время первая вечеринка представила живое выступление группы Shakedown, а вторая представляла некого Philippe B в записи. Вечеринки типа “Digital Trance” музыкальная программа которых была более жёсткая, проводились параллельно, процесс провождения этих вечеринок можно сопоставить с тем, что сейчас и называется Tecktonik
Каждый год вечеринка Tecktonik Killer привлекает всё большие массы людей, и она уже приобрела довольно большую популярность. На каждую вечеринку Tecktonik Killer приходит примерно 8000 человек, на эти вечеринки приглашаются самые известные ди-джеи со всего мира. Спустя некоторое время вечеринка Tecktonik Killer становится популярной и в других парижских клубах. 15 сентября 2007 года в Париже прошёл фестиваль Техно Парад (Paris Techno Parade). Огромная масса людей увидевших тектоник на этом фестивале не смогла забыть его. Начиная с того времени популярность этого танца растёт невероятными темпами: люди танцуют везде, в метро, на площадях, где угодно. Огромную роль в распространении тектоника сыграл интернет и сервисы обмена видео.

Так же не обошлось без коммерческой выгоды, тектоник стал настоящей маркой, начиная с 2006 года можно найти компиляции «Tecktonik Killer». Так же появляются различные энергетические напитки, футболки, бейзболки, джемперы….

ROCK-N-ROLL

Слово “Рок-н-ролл” в переводе означает покачиваться и кружиться. Рок-н-ролл представляет собой парный импровизированный танец американского происхождения, получивший широкую известность в середине 50-х годов ХХ века. , отличается крайней экспрессивностью, поддержками и некоторой небрежностью по отношению к партнёрше. Вышеприведённое определение применимо к танцу тех лет, но совершенно не подходит к акробатическому рок-н-роллу нашего времени. Головокружительная акробатика в сочетании с бешенным темпом и сложнейшим танцем – вот что такое современный рок-н-ролл.

Днём рождения танцевального рок-н-ролла считается 12 апреля 1954 года – день, когда на экраны США вышел фильм с участием Bill Haley и его знаменитой мелодией “Rock Around The Clock”. Под звуки этой песенки на экране зрители увидели танцевальный дуэт, это было первое парное исполнение рок-н-ролла. И новый вариант танца, вслед за киногероями начала танцевать сначала вся Америка, а за тем и Европа. С 60-х годов стали проводиться самостоятельные конкурсы танцевального рок-н-ролла.

Прошло несколько лет и в начале 70-х годов произошло событие в корне изменившее всю дальнейшую историю его развития. Швейцарец Рене Сагарра обьединил специфические рок-н-ролльные танцевальные движения в единый законченный рисунок и тем самым изобрёл современный спортивный рок-н-ролл. Этот новый вариант был взят на вооружение немецкой ассоциацией учителей танцев, и с тех пор рок-н-ролл стал уже не просто дискотечным танцем, а красивым и сложным видом спорта.

В 1974 году (Италия, Франция, Германия и Швейцария) основали Европейскую Рок-н-ролльную Ассоциацию (ERRA), к которой практически сразу же присоединились ещё несколько стран (Австрия, Голландия, Дания и Швеция). Через пару лет к ERRA присоединилась Канада, и Европейская Ассоциация превратилась во Всемирную Рок-н-ролльную Конфедерацию (WRRC) – единственная на сегодня организация обьединяющая спортсменов акробатического рок-н-ролла всего мира.

В настоящее время в WRRC входят более 30 стран, в числе которых и Латвия. Ежегодно WRRC проводит 6 турниров серии “Masters” (А класса), 4 Кубка Мира по "классу В", "Juniors", "Youth", "Formation", Чемпионат Европы и Мира. Соревнования по Lindy Hop и Boogie Woogie.

История акробатического рок-н-ролла в Латвии началась с 1987 года когда был организован первый клуб под названием “Jāņa Elberta deju skola”, там занимались любители рок-н-ролла, которые прошли курсы по акробатическому рок-н-роллу в Москве.

В 1991 году выла организована Латвийская федерация рок-н-ролла (LRF), президентом которй является Иоланта Каргапольцева, генеральным секретарём Зигмунд Аболиньш. В настоящее время в Латвии работают два рок-н-ролльных клуба: „Kengurroks” старший тренер – Айварс Тетерис и „Jump” (старое название „Valentīna”) старший тренер – Надежда Лазоркина.

Латвийские танцоры являются Чемпионами Латвии, победителями Международнародных турниров в Литве и России, участниками Чемпионатов и Кубков Мира. Также воспитанники клубов участвуют в танцевальных конкурсах и фестивалях детского творчества. Занимаясь акробатическим рок-н-роллом, человек развивает: координацию движений, силу, быстроту, выносливость,артистизм, также учится слушать музыку и чувствовать её ритм. Получает навыки общения в коллективе и со своим партнёром. Рок-н-ролл – это одновременно и танец, и спорт и отличное времепровождение !

Фламенко

Звуки гитары, страстный взмах руки, стук каблучков – древнее искусство танца фламенко. Танец – огонь, танец – страсть завораживает миллионы людей по всему миру. Истоки фламенко следует искать в глубоком прошлом, когда на месте современной Андалусии возникло небольшое государство Тертесс. В Тертессе активное развитие получили письменность, музыка, поэзия и многие другие виды искусств. Даже законы этой древней страны были написаны стихами. В эти далёкие годы зарождался уникальный ритм фламенко.

Вследствие внедрения во II – X веках греко – византийского литургического песнопения, во фламенко появляется минорная нисходящая гамма. Чувствуется влияние восточной культуры. Это связано с тем, что в VIII на Пиренейском полуострове поселились племена берберов, которые пришли из арабских земель.

В XV веке на территории Испании появляются цыганские племена из Индии. Фольклор Андалусии оказался близок цыганским племенам. Они добавили во фламенко уникальную манеру исполнения, практически не повлияв на музыку.

К середине XVIII века появляются первые профессиональные исполнители. Великий Эль Планета, его воспитанник Эль Фильо, пение Курро Дурсе, гитара Колирона и танец Мирасьелос превращали фламенко в искусство. В то время фламенко танцевали в маленьких ресторанчиках и тавернах, в кругу семьи, друзей, в романтических отблесках луны и зажженных свечей.

Новым этапом развития профессионального фламенко стало появление специальных салонов, где искусству танца обучали, в основном, туристов. Также этот период ознаменован появлением cafe cantante. Хозяева этих заведений давали целые спектакли, основанные на музыке и танце фламенко, чем значительно ускорили его развитие.

В конце 19 – начале 20 века, с изобретением фонографа и граммофона, страстные мелодии фламенко становятся популярными по всему миру. Поэзия Федерико Гарсия Лорки делает фламенко источником романтического вдохновения.

К середине 20 века фламенко получает огромное распространение, его исполняют симфонические оркестры, возникает опера фламенко. Появляются отдельные партии для гитары, которая до этого была лишь фоном танца, фламенко становиться искусством для широкой публики.

В наше время уникальное сочетание пения, музыки и танца, называемое фламенко, принадлежит мировой культуре. Фламенко увлекаются, про него снимают фильмы. Древний Испанский танец покоряет всё новые и новые сердца, увлекая в мир страсти и огня.

Степ

Зарождение степа было связано с развитием работорговли в Америке, которое привело к неизбежной коллизии совершенно различных культур: европейской и африканской. Именно эта коллизия и дала начало новому виду музыки, которому потом было суждено превратиться в новый вид танца. Дело в том, что американские рабовладельцы были очень обеспокоены возможностью возникновения бунтов и восстаний черных рабов. Узнав, что африканцы могут передавать различные закодированные сигналы на дальние расстояния при помощи барабанов, рабовладельцы запретили использование любых ударных инструментов. Поэтому во время религиозных церемоний и праздников рабы начали выстукивать ритм (а какой африканский праздник без ритма?!) … ногами… Уже тогда появились ныне известные нам shuffl'ы, stopm'ы и прочие основные удары. Ритмические рисунки постепенно усложнялись, но суть оставалась той же - через ритм выражалась эмоциональная составляющая музыки.

Отсчет истории степа принято вести с 18 века: именно в 1700-х годах в южных штатах активно распространяется ирландская жига (jig), привезенная ирландскими беженцами, и западноафриканская жиуба (giouba) - сакральный негритянский танец. К началу 19-го века африканские ритмы соединились с ирландской жигой и появился совершенно новый стиль, называемый buck and wing (дословно: "доллар" и "крыло"). Кроме того, пришедшая из английского графства Ланкашир чечетка (clog) также получает распространение в США и постепенно преобразуется в новые стили: hornpipe, pedestal, trick, statue, waltz clog. Танцоры этих стилей уже имели специальную обувь: с деревянными подошвами и каблуками. Тем не менее, ни один из этих стилей не мог похвастаться тем, что имел buck and wing, а именно синкопированным ритмом, который в последствии и приведет к созданию джазового степа.

Чуть позже приобретает популярность еще более изящный стиль танца, который получает название "мягкий туфель" (soft shoe), он в свою очень исполнялся в любой обуви. В этом танце юмор, как ни странно имел большее значение: танцоры как бы пародировали традиционные степовские движения. Наряду с этими основными видами танца, были известны оружейный степ (shortgun tap), а также flash step, исполняемый хуферами. Хуферами (hoof - англ. копыто) называли танцоров, работающих в водевилях, - основной особенностью хуферов было умение мастерски импровизировать прямо на сцене.

Начало собственно степа как умелой комбинации из европейской жиги, ирландского рила (reel), народной чечетки (clog) и африканских ритмов связано прежде всего с именем Мастера Джубы (настоящее имя - William Henry Lane), жившего с 1825 по 1852 года и приобретшего свою наивысшую популярность к 1845 году. Мастер Джуба (Master Juba) выступал в так называемых Министрельных шоу (Minstrel Shows), которые по сути положили начало знаменитым бродвейским ревю, состоящим из подборки танцевальных, музыкальных и вокальных номеров. В министрельных шоу работали, как правило, свободные негры и ирландцы. Причем среди белых актеров вошло в моду красить лица черной краской (blackface), очевидно, чтобы более походить на своих черных собратьев - эта традиция оставалась актуальной вплоть до 20-х годов 20 века.

Стоит отметить, что огромную популярность до конца 19 века имеет и народная чечетка (clog), которая продолжает существовать параллельно со новыми видами перкуссионного танца. Проводятся даже регулярные соревнования по чечетке, где судьи сидят не у сцены, как принято сейчас, а под подмостками. Делалось это для того, чтобы судья мог следить за качеством и скоростью звука (у лучших чечетоников скорость удара достигала 70 за 15 секунд). Верхняя же часть тела танцора всегда оставалась неподвижной. В 1866 появился первый мюзикл "The Black Crook" ("Черный жулик"), который включил в себя чечеточные номера, в том числе и "танцора на пьедестале" (Pedestal Dancer). Этот номер по сути был преддверием знаменитых степ-танцев на платформах (как, например, в "42-й улице"): танцор взбирался на 24-х дюймовый пьедестал и выбивал чечеточную композицию, правда его тело при этом оставалось неподвижным как статуя.

Считается, что после войны Севера и Юга (1861-65), то есть тогда, когда смешение культур переживало настоящий бум, степ начал постепенно меняться: в танец были добавлены синкопированные удары, а движения танцоров стали более раскованными, свободными, а, кроме того, изменилось положение корпуса и тела. Но все это, была лишь предыстория, ибо все танцы, развивавшиеся в 18-19-ом веках называются исследователями английским словом "vernacular", то есть народными, традиционными. Формирование степа в том виде, в котором мы знаем его сегодня, связано именно с 20 веком.

Век двадцатый дал степу все: от названия и терминологии до выработки основных стилей и индивидуальных школ преподавания. С точки зрения развития степа: все двадцатое столетие можно разделить на 5 этапов:

· 1900-1920-е годы - время становления степа как особого вида танца,

· 1930-40-е годы - "золотой век степа", сегрегация стилей,

· 1950-начало 1960-х - эпоха "застоя",

· середина 60-х -1980-ые годы - возрождение,

· 1990-ые-2000-ые - время экспериментов и больших шоу.

Начнем с терминологии… Впервые термин "tap and step dance" был использован в 1902 году в шоу Неда Уейборна "Minstrel Misses". Где-то в это же время происходит соединение двух основных стилей перкуссионного танца: танца в туфлях на деревянной подошве и танца в мягких кожаных туфлях. Никто точно не может сказать, когда к кожаным туфлям стали привинчивать алюминиевые набойки (предположительно - не раньше 1910 года). Известно только то, что первой патент на набойки оформила фирма Capezio, а первый раз в печатном виде выражение "танец с набойками" (tap dance) было зафиксировано только в 1928 году. Однако суть исторических изменений в стилистике тэп-танца связана не с обувью, а с новым стилем музыки, который возник в первой четверти 20-го века.

А музыкой этой был, безусловно, джаз. Именно джаз, также родившийся из сочетания западноафриканской и европейской традиции, дал грандиозный толчок развитию степа в 1900-1920-е годы. Яркая, необычная, синкопированная музыка, выросшая из рэгтайма, блюза, спиричуэла и построенная полностью на доминировании ритма, была словно создана для степа. Неудивительно, что степ в 10-20-х годах назывался "джазовым" и считался танцем "черных". И джаз, и степ воспринимались как оппозиция высокой ("белой") культуре. Черные исполнители учились танцевать на улице, воруя друг у друга движения, соревнуясь друг с другом и оттачивая свое мастерство до блеска, чтобы потом проявив себя в конкурсах любителей (amateur contests), получить приглашение участвовать в больших "негритянских" шоу.

Однако 1914 году произошло событие, которому было суждено изменить путь развития степа. Именно в 1914 году в Гарлеме, в театре Лафайет открылось шоу Darktown Follies ("Глупышки черного города"), представлявшее из себя музыкальное ревю-пародию на "белый" театр. Критики называли его "негритянским балетом", однако на балет это было совершенно не похоже: танцоры демонстрировали все виды ритмического танца: там был и прототип линди хопа (the Lindy Hop), и различные стили степа, и акробатические танцы. Популярность шоу была огромной, поэтому в этом же году знаменитый продюсер Флоренс Зигфельд покупает шоу и переносит его полностью на бродвейскую сцену. Таким образом впервые "черный" ритмический танец был представлен "белой" публике. Стоит ли говорить, что название шоу было изменено на впоследствии ставшее знаменитым "Ziegfeld Follies".

20-е годы стали временем стремительно расцвета джазового (ритмового) степа. Сухой закон, принятый в 1919 году, оказался на руку степистам: степ предлагался в качестве одного из развлечений клиентам питейных заведений (speakeasies), таких как, например, Cotton Club, где работали в основном черные музыканты, танцоры и хореографы. Параллельно на Бродвее ставятся мюзиклы со степом: например, "Shuffle Along", который по словам критиков стал началом "века джаза" в мюзикле. Тогда же вырабатываются многие основные комбинации, которые потом станут практиковаться во всех степ-школах. Одним из ярчайших примеров таких комбинаций был знаменитый shim sham shimmy. Примерно в это же время рождается и time step, корни которого уходят в популярный на рубеже веков buck and wing dance.

Украинский народный танец

Культура Украины является уникальной, она росла и крепла на ярком панно жизни Восточной Европы. Россия, Польша, Венгрия, Беларусь, Литва, Турция, Словакия, Румыния – вот неполный список стран, по соседству с которыми росла культура Малороссии, сохранив свою самобытность и национальный колорит. Да и сама Украина не является однородной по своей социальной, культурной и экономической сути, она разделена на несколько макрорегионов, где свои диалект, свои танцы, свои песни, но тем не менее, они составляют единую нацию – украинцы. 

Славна Украина песнями, поэтами, писателями и, конечно же, танцами. Первые танцы возникли как проявление эмоциональных впечатлений от окружающего мира. Танцевальные движения развивались как имитация движений животных, птиц, а позже - жестов, отражающих определенные трудовые процессы. Изначально танец, как и песня, выполнял магическую роль, поэтому среди календарно-обрядовых танцев сохранилось много элементов с языческих времен.

Самыми древними следами танцевального искусства в Украине можно считать рисунки трипольской эпохи, где изображены люди, на изображениях они одну руку кладут на талию, а вторую - за голову. Такие движения можно часто встретить и в современных танцах. Также к этому можно отнести и изображения танцоров и музыкантов на фресках Софийского собора в Киеве. По мнению некоторых исследователей, серебряные фигурки людей из Мартыновского клада изображают одно из танцевальных движений: человек изображен вприсядку, с широко расставленными ногами и возложенными на бедра руками. Изображение танцев можно найти и во многих миниатюрах из древних летописей. Письменные сообщения о древних танцах дают нам летописцы, которые описывают их как «скаканье и топтание», «гульба и плясание», «хребтом вихляние», «плясание и плескание». Летописцы-христиане называют такие действия «бесовскими» или «погаными», что в переводе означает «языческими». Это дает определенные основания полагать, что первоначальные танцы были тесно связаны с древним богослужением.

Говоря о украинских народных танцах, следует отметить, что часто один и тот же танец в разных местностях может иметь разные названия. Например, такой известный ныне украинский танец как «Гопак» имеет другие названия: «Гоцак», «Казак», «Казачок», «Тропак» и другие. Танцы получают названия в силу разных причин. Например, какое слово часто употребляется в песне, под которую исполняют танец.

Кроме названий танцев, в народе существует ряд названий танцевальных движений. Василий Верховинец записал несколько из них: «дорожка», «присядка», «навприсядка», «вихилясы», «видишь, как заплив» (позже названная «плетенка»), «вот оглядывается», «вот загриба», «плазунец». Сейчас известны и другие народные названия движений: «гопак», «витинанка», «подскоки», «пидтупы», «мелкие скока», «тропаки», «закрутка», «голубцы» и др.

Подавляющее большинство украинских танцев построены на одних и тех же движениях, которые были определены национальным темпераментом, местным украинским колоритом, одеждой и т.д. По характеру музыки и движений украинские народные танцы можно разделить на три группы:

Ø Метелица, гопак, казачки;

Ø Коломыйки, гуцульки, Верховина,

Ø Польки и Кадриль.

На Украине и за рубежом визитной карточкой танцевального искусства является «Гопак», который появился в начале 20 века. Такой популярности способствовало, прежде всего, использование данного танца в спектаклях выдающихся украинских театральных режиссеров в Киеве, Одессе и Харькове. Изначально фольклорный гопак был преимущественно сольным мужским танцем, в основе которого лежала импровизация. По мнению исследователя казачьих танцев Вадима Купленика предшественником гопака был танец «Казак», и лишь вследствие запрета Екатериной II самого названия сословия «казаки» и дальнейших цензурных притеснений танец изменил название. О большой популярности «Казака» еще в 17 веке свидетельствует его распространение не только в Украине, но и в Польше, Московии (вариант «Казачок») и других европейских странах. Так во Франции в 60-70-х годах 17 века был известный украинский танцевальный театр под названием «Па де Казак»

Особое место среди мужских танцев принадлежит ритуальному военному танцу «Аркан», который танцевали войны-казаки перед военными выступлениями. Танец должен проверить на прочность и выносливость мужчину-воина, кто не выдерживал и разрывал руки во время танца, того прогоняли из казачьего круга. Вероятно «Аркан» был своеобразной психологической подготовкой к битве.

До сих пор этнографы не собрали и не описали уровне все фольклорные танцы украинцев. Первые подробные описания танцев были преимущественно в литературных украинских писателей: Григория Квитка-Основьяненко, Ивана Котляревского, Тараса Шевченко, Ивана Франко, Ивана Нечуй-Левицкого, Николая Гоголя, Марко Кропивницкого и других. Хотя писатели не ставили своей целью сделать научное исследование танца, но описания танцевального искусства украинцев, сделаны весьма тщательно и с художественным мастерством, которые могут служить одновременно и ценным этнографическим материалом. Среди исследователей украинского народного танца в 20 века можно назвать Василия Верховинца, Андрея Гуменюка, Андрея Нагачевского (Канада), Романа Герасимчука и других.

КЛАССИЧЕСКИЙ ТАНЕЦ (Балет)

КЛАССИЧЕСКИЙ ТАНЕЦ - это основа любых видов танцев, основная система выразительных средств хореографического искусства.

Классический балет можно назвать фундаментом всех сценических видов танца. Помимо самого утверждения танца как высокого искусства и самостоятельного вида театрального действа, способного развивать сюжет без помощи пения или декламации, балет выработал терминологию танца и систему подготовки танцоров, с небольшими изменениями используемую и в других стилях. Поэтому танцорам рекомендуется начинать с уроков классического танца, даже если они, позднее специализируются в танце модерн, шоу-балете или джазовом танце.

Классический балет – дитя западной культуры, и в подходе к телесности он несет на себе отпечаток средневековой философии и религии с их отречением от тела, желанием возвыситься над «бренной плотью». Подобное воззрение отразилось в культуре танца: балерина практически все время находится на пальцах либо полупальцах, тем самым минимизируя контакт с землей, и т.д.

Балет — искусство довольно молодое, ему немногим более четырехсот лет. Родился балет в Северной Италии в эпоху Возрождения. Итальянские князья любили пышные дворцовые празднества, в которых танец занимал важное место. Одеяния и залы придворных дам и кавалеров не подходили для сельских плясок; не допускали неорганизованного движения. Поэтому специальные учителя - танцмейстеры - старались навести порядок в придворных танцах. Постепенно танец становился все более театральным.

Термин «балет» появился в конце XVI века (от итальянского balletto — танцевать). Но означал он тогда не спектакль, а лишь танцевальный эпизод, передающий определенное настроение. Такие «балеты» состояли обычно из мало связанных между собой «выходов» персонажей — чаще всего героев греческих мифов. После таких «выходов» начинался общий танец — «большой балет».

Первым балетным спектаклем-представлением стал «Комедийный балет Королевы», поставленный в 1581 году во Франции итальянским балетмейстером Бальтазарини ди Бельджойозо. Именно во Франции происходило дальнейшее развитие балета. Вначале это были балеты-маскарады, а затем помпезные мелодраматические балеты на рыцарские и фантастические сюжеты, где танцевальные эпизоды сменялись вокальными ариями и декламацией стихов.

В царствование Людовика XIV спектакли придворного балета достигли особого великолепия. Людовик сам любил участвовать в балетах, и свое знаменитое прозвище «Король-Солнце» получил после исполнения роли Солнца в «Балете ночи».

В 1661 году с целью сохранения и развития танцевальных традиций он создал Королевскую академию музыки и танца. Директором академии был королевский учитель танцев Пьер Бошан.

Вскоре была открыта Парижская опера. На первых порах в ее составе ее труппы были одни мужчины. Женщины на сцене Парижской оперы появились лишь в 1681 году.

Танцевали уже упоминавшиеся медленные менуэты, гавоты и паваны. Маски, тяжелые платья и туфли на высоких каблуках мешали женщинам выполнять сложные движения. Поэтому мужские танцы отличались тогда большей грациозностью и изяществом.

К середине XVIII века балет завоевывал большую популярность в Европе. Все аристократические дворы Европы стремились подражать роскоши французского королевского двора.

Вскоре под влиянием моды женский балетный костюм стал значительно легче и свободнее, под ним угадывались линии тела. Танцовщицы отказались от обуви на каблуке, заменив ее на легкие бескаблучные туфельки. Менее громоздким стал и мужской костюм. Каждое новшество делало танцы осмысленнее, а танцевальную технику — выше. Постепенно балет отделился от оперы и превратился в самостоятельное искусство.

В конце XVIII века родилось новое направление в искусстве — романтизм, оказавший сильнейшее влияние на балет. В романтическом балете танцовщица встала на пуанты. Первой это сделала Мария Тальони, полностью изменив прежние представления о балете. В балете «Сильфида» она предстала хрупким существом из потустороннего мира. Успех был ошеломляющий.

В это время появилось множество замечательных балетов, но, к сожалению, романтический балет стал последним периодом расцвета танцевального искусства на Западе. Лишь в 30-е годы XX века под влиянием русского балета началось возрождение этого вида искусства в Европе.

В России первый балетный спектакль — «Балет об Орфее и Евридике» — поставлен 8 февраля 1673 года при дворе царя Алексея Михайловича. Церемонные и медлительные танцы состояли из смены изящных поз, поклонов и ходов, чередовавшихся с пением и речью. Никакой существенной роли в развитии сценического танца он не сыграл. Это была лишь очередная царская «потеха», привлекавшая своей необычностью и новизной.

Только спустя четверть века, благодаря реформам Петра I, музыка и танец вошли в быт русского общества. В дворянские учебные заведения ввели обязательное обучение танцам. При дворе начали выступать выписанные из-за границы музыканты, оперные артисты и балетные труппы.

В 1738 году открылась первая в России балетная школа, и дети из дворцовой челяди стали первыми в России профессиональными танцовщиками. В начале XIX века русское балетное искусство достигло творческой зрелости. Русские танцовщицы внесли в танец выразительность и одухотворенность. Это неизменно привлекало в Москву и Петербург крупнейших хореографов Европы. Нигде в мире они не могли встретить такой большой, талантливой и хорошо обученной труппы, как в России.

Новый этап в истории русского балета начался, когда П.Чайковский впервые сочинил музыку для балета. Это было «Лебединое озеро». До этого к балетной музыке серьезно не относились. Благодаря Чайковскому балетная музыка стала серьезным искусством наряду с оперной и симфонической музыкой. Раньше музыка полностью зависела от танца, теперь танцу приходилось подчиняться музыке.

Дальнейшее развитие русского балета связано с именем московского балетмейстера А. Горского, который, отказавшись от устаревших приемов пантомимы, использовал в балетном спектакле приемы современной режиссуры. Придавая большое значение живописному оформлению спектакля, он привлекал к работе лучших художников.

Но подлинный реформатор балетного искусства — Михаил Фокин, восставший против традиционного построения балетного спектакля. Он утверждал, что тема спектакля, его музыка, эпоха, в которую происходит действие, требуют каждый раз иных танцевальных движений, иного рисунка танца. В балете «Дафнис и Хлоя» он отказался от танцев на пуантах и в свободных, пластичных движениях оживил античные фрески.

В 1908 году начались ежегодные выступления артистов русского балета в Париже, организованные театральным деятелем С. П. Дягилевым. Среди них наиболее выдающейся тансовщицей была несравненная Анна Павлова. «Умирающий лебедь», созданный великой балериной Павловой, — поэтический символ русского балета начала XX века.

Именно тогда, под влиянием мастерства русских артистов, встряхнулся и обрел второе дыхание западный балет.

После Октябрьской революции 1917 года многие деятели балетного театра покинули Россию, но, несмотря на это, школа русского балета уцелела. Пафос движения к новой жизни, революционная тематика, а главное простор творческого эксперимента вдохновляли мастеров балета. Перед ними стояла задача: приблизить хореографическое искусство к народу, сделать его более жизненным и доступным.

Так возник жанр драматического балета. Это были спектакли, обычно основанные на сюжетах известных литературных произведений, которые строились по законам драматического спектакля. Содержание в них излагалось с помощью пантомимы и изобразительного танца. В середине XX века драматический балет переживал кризис. Балетмейстеры предпринимали попытки сохранить этот жанр балета, усиливая зрелищность спектаклей с помощью сценических эффектов, но, увы, тщетно.

В конце 1950-х годов наступил перелом. Хореографы и танцовщики нового поколения возродили забытые жанры — одноактный балет, балетную симфонию, хореографическую миниатюру. А с 1970-х годов возникают самостоятельные балетные труппы, независимые от оперно-балетных театров. Их число постоянно увеличивается, среди них появляются студии свободного танца и танца модерн.

Бальные танцы

Бальный танец - танец, который служит для массового развлечения и исполняется парой или большим количеством участников на танцевальных вечерах (балах).

Термин  «бальные» относится к парным непрофессиональным светским танцам, возникшим в средневековой Европе. Эти танцы очень сильно видоизменялись: любая эпоха европейской истории — Возрождение, Просвещение, классицизм, романтизм, — порождала своеобразный танцевальный комплекс. На протяжении всего европейского культурного развития на бальный танец влияли самые разнообразные этнические источники, а также профессиональный танец.Бальные танцы XX века сложились на основе европейского танца, в который на рубеже XIX—XX веков вдохнула новую жизнь африканская и латиноамериканская музыкальная и танцевальная культура. Громадное большинство современных бальных танцев имеют африканские «корни», уже хорошо замаскированные технической обработкой европейской танцевальной школы.

В 1920-е годы в Англии при Императорским обществе учителей танцев возник специальный Совет по бальным танцам. Английские специалисты стандартизировали все известные к тому времени танцы — вальс, быстрый и медленный фокстроты, танго. Так возникли конкурсные танцы, и с тех пор бальный танец подразделился на два направления — спортивный и sосіal dance. В 1930—1950-е годы число стандартных бальных танцев увеличилось за счет того, что к ним добавилось пять латиноамериканских танцев (в таком порядке: румба, самба, джайв, пасодобль, ча-ча-ча).

 Европейская программа бального танца:

В Европейскую программу (стандарт) входят 5 танцев:

медленный вальс (темп — 28-30 тактов в минуту),

танго (темп — 31-33 тактов в минуту),

венский вальс (темп — 58-60 тактов в минуту),

медленный фокстрот (темп — 28-30 тактов в минуту)

 квикстеп (быстрый фокстрот) (темп — 50-52 тактов в минуту).

Все танцы Европейской программы танцуются с продвижением по линии танца (по кругу против часовой стрелки). Дамы должны быть одеты в специальные, соответствующие требованиям, бальные платья. Кавалеры должны быть одеты во фраки черного или темно-синего цвета и носить бабочку или галстук. Вместо фрака разрешено танцевание в смокинге или в жилетке. Танцевальные костюмы отличаются от повседневных в первую очередь покроем, одна из особенностей которого в том, что плечи костюма партнера должны оставаться ровными, когда руки поднимаются в стороны.

Латиноамериканская программа:

 В Латиноамериканскую программу входят танцы :

самба (темп — 50-52 тактов в минуту),

ча-ча-ча (темп — 30-32 тактов в минуту),

румба (темп — 25-27 тактов в минуту),

 пасодобль (темп — 60-62 тактов в минуту)

 джайв (темп — 42-44 тактов в минуту).

Из Латиноамериканских танцев только самба и пасодобль танцуются с продвижением по линии танца. В остальных танцах танцоры более или менее остаются на одном месте, хотя и в этих танцах возможно перемещение танцоров по танцевальной площадке с возвратом к исходной точке или без. Платья дам, как правило, короткие, очень открытые и облегающие (в соответствии с теми же требованиями). Костюмы кавалеров тоже очень облегающие, часто (но не всегда) черного цвета. Смысл таких костюмов — показать работу мышц спортсменов.

Сейчас по спортивным танцам проводятся соревнования. Сформировалось три программы: европейская, латиноамериканская и так называемая «десятка», куда входят все десять танцев. Любительские чемпионаты мира проводятся под эгидой IDSF, а профессиональные — под покровительством английских танцевальных организаций. Наиболее престижными в мире продолжают оставаться английские конкурсы, в частности, UK Open и Блэкпульский фестиваль (англ. Blackpool Dance Festival). Еще одним направлением конкурсного танца являются соревнования смешанных пар Профессионал-Любитель (Pro-Am) данное направление особенно развито в США и Канаде.